从中国看日本

　　雅昌艺术网：您去到日本后，觉得日本和国内的艺术教育有什么区别?

　　徐老师：在日本我最初在筑波大学，后来又在东京艺术大学。在东京艺术大学，它的油画专业，画画的人非常少，真正做架上绘画的可能1/10都不到，大家都在做一些装置等。

　　学校之间也会有所不同。筑波大学相对来说比较注重架上绘画，但是在教学中和中国的教学理念有不同的地方。打个比方，在日本每个学期有几次评画，老师坐在那一张张评画，有一次我发现一个学生的画非常成熟，从画面的构思、绘画语言到最后的形成应该说非常好的。如果在中国这个学生肯定会受到表扬，也许马上会有画廊找他，跟他合作等等。

　　但是这个学生受到了很大的批评。为什么呢?后来我知道了原因，因为导师组从他的画面里边看到别人的东西，虽然说他很成熟，但是他的东西是从别人那儿借鉴过来的，不完全是他的原创。这就是一个教育方式的不同，他们觉得你哪怕不成熟、很幼稚，但必须有自己的东西，是这样一个态度。

　　雅昌艺术网：日本更强调原创。

　　徐老师：一个是原创方面;另外因为我到日本以后系统地研究了他们公募展的作品，发觉很多画家甚至十几年画一样的东西，只是构图改变一下，基本色调、颜色、造型不变，当时我觉得很不可思议，这种画个几张就可以了，没有必要重复。

　　后来我也觉得他有他的道理，这个道理可不可取是仁者见仁、智者见智的事情。在中国来说，可能大家比较反对重复自己。在日本几十年画同样作品的人不在少数，这就是一个问题、现象，为什么会产生这种现象?后来我觉得可能有这样的考虑：一是可以不断地深化语言，比如他采用一种自己的表达方式，通过不断重复画去完善、深化这个语言，这样可以把这个表现的语言提炼到最精准;二，还有体制的问题。因为他们的公募展是这样，你参加过多少次以后能够成为会友，获几次奖后可能被推选成为会员，到了会员基本上在美术界有一定地位了，他是这样一种体系，画家一般来说不太敢轻易地改变画风，因为他一旦改变等于前边的努力一下子就放弃了，所以必须要达到一定程度才敢改变。

　　雅昌艺术网：我们也了解到您在日本也作为一个职业画家，在您了解日本的收藏状况是怎样的?

　　徐老师：在日本应该说画家过的不会像中国这样有激情。中国的画家这几年，因为整个社会对艺术这一块还是比较重视，所以说可能对艺术家来说这种变化很大，比如说经济上或社会地位上。在日本，画家就是一个职业，跟其他行业一样，不可能给你带来突然的变化，它很平稳、平静，在这种情况下边日本的画家心境相对来说比较平稳一些。

　　在日本，几乎每个家庭都有收藏艺术品的习惯，不管是行画还是大家的作品，家里必须要挂画，所以说这个社会有一个相当广泛的收藏基础。日本的收藏群体跟中国还不太一样，它相对稳定，也许不可能一下子买很多;中国主要是高端的多一点，普遍的民众进行收藏的还需要一些时日。

　　雅昌艺术网：日本的收藏体系可能更为成熟一些?

　　徐老师：成熟一点，当然成熟的同时往往变化会比较小，相对来说可能会沉闷一些，但是他一直是会支持绘画。